Sant´Andrea al Quirinale.

Esta es una iglesia barroca del siglo XVII cuyo diseño de la fachada pertenece a Bernini y la cual se encuentra en Roma.
Para realizarla se inspiro en la fachada del Panteón romano. El acceso se hace a traves de una escalinata curva que esta enmarcada por dos pilastras corintias de tamaño gigantes, que parten de un podium y que sostiene un entablamento sobre el cual, descansa un fornton triangular. La fachada concebida en dos pisos, consata en el inferior de un vano adintelado coronado con un fronton triangular y enmarcado por pequñas columnas corintias que sostienen un entablamento redond o que se cubre con cuarto de esfera con casetones. Todo ello enmarcado por dos pilastras corintias que sostienen un arco de medio punto cubierto con vidriera. Para decorar coloca el escudo de la órden.

Junto con esta obra realiza otros proyectos como la columnata de San Pedro y la Capilla Corano en la que ademas muestra sus dotes como escultor con El éxtasis de Santa Teresa. Gianlorenzo Bernini nace en 1598-1680, en Italia. Su padre fue un escultor manierita y él trabajo en su taller hasta que se instala en la corte de la Familia Borgense.

Italia fue el pais donde surgió el barroco como expresión de la situación de inestablidad y se desarrollo entre los siglos XVII-XVIII. Lutero habia iniciado la reforma protestante y la reaccion de la iglesia fue convocar el concilio de Trento e iniciar la contrareforma para difundir los dogmas y el arte sera el encargado de harcelo. La situacion de crisis tanto enconomica como politica y religiosa se reflejo en la busqueda del dinamismo, que en la arquitectura se presentaba en el movimiento que producian los elementos crando entrantes y salientes y claroscuros.

Irene Galindo Camara 2B

La resucción de Cristo.

Esta obra renacentista pertenece al Greco; y actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid. La técnica empleada en ella es óleo sobre lienzo y fue
encargada para el retablo de Santa María de Aragón.
Se muestra el momento en el que Jesús resucita de entre los muertos, presentándose ante los sorprendidos soldados que habían puesto como guardia para que los discípulos no robaran el cuerpo de Jesucristo para decir luego que había resucitado.

El autor busca el espacio pictórico con la composición, Cristo como eje central del cuadro y el resto de personajes agolpados y superpuestos a su alrededor,ademas coloca en primer plano un personaje de escorzo; todo ello junto con el punto de vista bajo, invita al espectador a ascender la mirada al cielo divino. Ademas emplea la persperctiva aérea difuminando los contornos lejanos.

En esta obra pueden apreciarse las características del estilo de El Greco como las figuras estilizadas para mostrar la espiritualidad, colores frios mezclados con rojos y amarillos, que hicieron que generaciones posteriores criticaran sus cuadros, luces contrastadas que proceden de un foco exterior, sus composiciones complejas que tienden a cierto horror vacuo,un movimiento influido por la línea serpentinata manierista y por una pincelada cada vez más suelta que se comienza a acercar a lo que será el impresionismo.

Entre otras de sus obras se distinguen El martirio de San Mauricio, El expolio de Cristo o El entierro del conde Orgaz. El Greco nace en 1541 en la isla de Creta, viajó a Romay a Venecia donde unos amigos españoles le comentaron el proyecto de decorar el Escorialy vino a Espeña, pero su actitud inovadora desagrado a felipe II y esto le levó a instalarse en toledo donde formaria su propio taller.

Los temas que se representaron durante el renacimiento español fueron religiosos ya que tuvo lugar el concilio de Trento para crear devoción de los sentimientos religiosos. La intura renacentista española recibió dos influencias: la Flamenca en la zona de Castilla que sufrirá un cambio durante el reinado de Carlos V con la llegada de artístas manieristas; y una influencia italiana en la zona de Levante.
En el segundo tercio del s. XVI la pintura española incrementará a consecuencia de grandes mecenas como Felipe II.

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La virgen de cuello largo.

Pramigianino es el autor de este cuadro denominado La virgen de cuello largo, que fue fintado en 1535 y que pertenece a la pintura manierista del renacimiento italiano.
Para componer la obra coloca en el centro a la virgen con el niño en sus brazos, en uno de los lados aparecen angeles expectantes y equilibra la obra con la colocando en el otro lado una columna y un personaje alejado, tras el cual se observa un paisaje diáfano.
Las características que responden a la pintura manieristas quedan patentes en la desproporcionalidad de los cuerpos de manera alargada e irreal y el movimiento lo marca con la línea serpentinata produciendo cierta sensación de inestabilidad.
Los colores son intensos y existe un equilibrio entre color y dibujo que es minucioso y detallista. Ademas muestra comunicación y expresividad en los personajes.

La pintura manierista surge a mediados del s. XVI en una situacion de malestrar provinente de la decadencia económica y política ya que se acaba de producir el saqueo de Roma, por ello los artístas como Parmigianino tienen la necesidad de evasión del mundo.

El lavatorio de pies.

El lavatorio de pies es un cuadro pintado por tintoreto en 1547 siguendo las pautas de la pintura veneciana que se da en el renacimiento. Fue creado para ubicarlo en la iglesia de Marcuela pero actualmente se encuentra en el museo del Prado de Madrid.
El tema iconográfico de la obra es Cristo lavando los pies a sus discípulos lo cual se produce durante la Santa cena y con ello símbolza que Cristo se reconoce como uno más de ellos.
Como todo autor del renacimiento Tintoretto se preocupó de representar el espacio pictórico por lo que la imágen esta concebida en un marco arquitectónico que se adentra dejandonos ver los canales venecianos. Compone la obra colocando en primer término a la derecha un personaje atandose los zapatos y a la izquierda el tema principal Cristo lavandole los pies a un discípulo. En medio de la escena coloca una mesa en escorzo en torno a la cual agrupa unos personajes y distribuye otros tantos en el espacio. Ademas consigue la profundidad con la perspectiva lineal que muestra en las baldosas y en los elementos arquitectónicos propiamente renacentistas. Ademas es una obra que carga con composiciones diagonales consiguiendo dar esa sensación de profundidad con el uso entre otros de manchas de color. Estos colores que predominan sobre el dibujo aunque este es minucioso, están equilibrados y la luz es una luz natural.
Carga la escena de movimiento y comunicación.
Tintoretto fue alumno de Tizziano y sus características amrcaron la aproximación barroca.

Dafne recibiendo la lluvia de oro.

Este cuadro cuyo autor fue ticiano es una obra del renacimiento enmarcada en la pintura veneciana, que fue creada en 1554, empleando el óleo sobre lienzo y actualmente se localiza en el Museo del Padro de Madird.
Responde a un tema mitológico, en el que aprace Dafne desnuda sobre una cama recibiendo a Zeus convertido en lluvia de oro.
Consigue representar el espacio con la composición, colocando en primer término la cama sobre la que se encuentra la jóven que el espectador observa desde un punto de vista alto, tras ella la ancian doncella colocada de espaldas, y el última instancia el paisaje de tormenta.
La luz dirigida tiene un tono dorado y con ella consigue la calidad de los objetos, los cuerpos son voluminos y de tonos nacarados mostrando sensualidad en los cuerpos jóvenes femeninos, lo cual es una característica propia de la escuela veneciana. Predomina el color sobre el dibujo con una pincelada que va soltandose progresivamente.
En la escena se muestra la psicología de los personajes, mostrnado incluso en la jóven cierta sensación de agovio, muestra la expresividad y el movimiento.

Tizziano fue discípulo de giorgione y se caracterizó por un colorido potente y por sus formas blandas y redondeadas. Entre sus obras se pueden apreciar Carlos V en Mühberg o Isabel de Portugal.

El sueño de Caballero- Las tres Gracias.

Estas dos obras de Rafael iban a formar pareja. Fuerno creadas en el cinquecentto en pleno renacimiento italiano, mediante la técnica de óleo sobre tabla rafael nos muestra dos temas mitológicos. Actualmente se encuentran separadas en la National Gallery de Inglaterra y en el museo Condé de Francia.

El sueño de caballero es una alegoría de Espición, en el aparece una composición muy simetrica con tres lineas verticales, dos en los personajes y dividiendo el cuadro un árbol; equilibradas con las formas curvas del personaje que se haya en el suelo y del camino que se adrenta en el paisaje, de esta manera consigue Rafael el tan ansiado espacio pictórico, pero ademas usa la pespectiva aérea de manera que el la lejania emplea tonos azulados difuminando el contorno.

La anatomía de sus personajes es voluminosa y las ventimentas son sobrias, utilizando para ello colores vivos en los que existe un equilibrio, sobre todo en azules y rojos. La luz que ilumina esta obra es una luz dirigida que procede de un foco exterior.
Se puede observar como exite entre los personajes una comunicación psicológica entre las doncellas que aguardan al caballero.

Las tres Gracias, nos las representa como tres jóvenes desnudas que danzan en círculo, en un paisaje diáfano que se concibe como bandas ocres. Estan tratadas con delicadeza y suavidad y las peina con el peinado que caraterizó las virgenes de rafael. El movimiento de los cuerpos responde a la curva praxitélica y entre ellas existe una comunicación tanto física como psicológica.

Rafael poseyó un estilo muy personal como síntesis de todo lo que conoció de sus viajes y de la formación junto a grandes autores del quatrocentto como Perugino. Entre otras de sus obras no menos importantes podemos nombrar, Los desposorios de la Virgen obra que recibe la influencia de La entrega de las llaves de su maestro, el retrato de Julio I, o los frescos de la Sala Signatura del Vaticano.

La última cena.

Esta obra de Leonardo Da vinci es un fresco que se se encuentra en la iglesia Santa Maria delle Grazie, que se encuentra en Milan. Es una obra del cinquecentto italiano por tanto de arte renacentista que fue finalizada en 1475.

El tema iconográfico representa la última cena que Cristo mantiene con sus apóstoles en la cual les da de comer su cuerpo en forma de pan y su sangre en forma de vino.
Como todo pintor del renacimiento le preocupa conseguir el espacio pictórico lo cual logra con la composición, colocando en primer plano y en friso a los personajes tras una mesa que abarca el largo del cuadro y que ademas coloca en escorzo; se ayuda ademas de la superposición de los personajes y del punto de vista lineal que se observa en elementos arquitectínicos como las ventanas o los casetones del techo. Al fondo tres ventas dejan el paisaje abierto en el que queda patente la perpectiva érea de da vinci, aumentando ese espacio pictórico.
Predomina el color sobre el dibujo, existiendo un equilibrio en los mismos y usa una luz artificial para marcar las zonas que quiere remarcar.
Los retratos de Cristo y los discípulos muestran la psicología de los personajes y con la colocación de las manos extendidas muestra la espiritualidad lo cual llevan cultivando los artistas desde el mundo bizantino. Es una escena cargada de comunicación, de expresividad y movimiento.

Da vinci fue un artísta italiano que aprendió en el taller de Verriocho, ralizó algunos proyectos urbanísticos y fue un gran observador de la naturalieza. Destacó en la pintura en la cual introdujo la perspectiva aérea y el sfumato. Algunas de sus obras igualmente conocidas son La anunciación y La Gioconda.

El tránsito de la Virgen.

El tránsito de la Virgen es una obra de Andrea Mantegna, realizada en 1461 y que se encuentra en el Museo de Prado de Madrid.

Se realiza con óleo sobre tabla esta interpretación de un tema religioso del Nuevo Testamento que es la muerte de la Vigen. Mantegna intenta conseguir la profundidad mediante la perspectiva lineal de las baldosas y con la composicion.

Compone el cuadro colocando a virgen tumbada sobre su cama en horizontal rompiendo con la verticalidad de los otros personajes que disponen alrrededor de ella formando una U. Todo esto en el interior de una habitacion que tiene una ventana abierta al exterior que nos adentra en el paisaje y nos lleva al horizonte creando otro línea horizontal paralela a la virgen y dandonos esa sensación de profundidad. Se evidencia que predomina el dibujo sobre el color, y estos colores son tonos calidos. Ademas usa el color rojo para crear tres manchas de color que nos llevan la vista en diagional y con ello consigue espacio pictórico. La luz que ilumina el cuadro es conceptual. Entre los personajes se observa comunicación y expresión y ademas es una imagen cargada de movimiento.

Andrea Mantegna 1431-1506 fue un pintor de la segunda mitad del s.15, que fue integrista de la Escuela de Padua y conoció bien las obras de Donatello. Otra de sus obras más características es El Cristo muerto. Este autor fue coetáneo de Perugino y de Boticelli, aunque cada uno de ellos se formó en escuelas diferentes.

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La Fagelación de Cristo.

Esta obra de Piero Della Francesca se denomina La Flagelación de Cristo, que fue finalizada en 1469 y se encuentra en Ubrino en la Galería Nacional de las Marcas.

La técnica empleada es temple sobre tabla. Esta concebida en dos imágenes independientes. A la izquierda, bajo un templete renacentista coloca como eje principal a Cristo y alrededor en circulo tres personajes que le torturan. Sentado en su torno Pilatos contemplando la imagen.

En la imagen de la derecha, tres personajes en primer plano, con actitud serena estan hablando de los temas de interes de la época.

Como autor del quatroccento renacentista, busca conseguir la tercera dimensión con la perspectiva linal que muestra en las baldosas del suelo y en las lineas de fuga que marca la arqutectura. Ademas coloca el punto de vista bajo que nos permite ver la techumbre adintelada decorada con casetones que esta sostenida por las columnas corintias del templete.

Mediante la composició de los personajes entorno a Cristo colocando algunos de ellos de espaldas,junto con la superposición de estos mismos personajes y con la colocación de un personaje sedente en escorzo consigue transmitirnos la sensación de profundidad. Tras este personaje coloca un vano adintelado que deja ver una escalera.

En la imagen derecha coloca en primer plano los personajes, dos de ello de perfil y tras estos varios edificios renacentistas.

En la obra predomina el dibujo sobre el color y hay una luz conceptual que ilumina todo el espacio por igual. En todo autor del quatrocentto como se muestra hay una preocupación por el análisis del cuerpo atlético humano por la tradición grecoromana que Piero muestra en Cristo. Ademas es una imagen cargada de movimiento, expresión y comunicación.

Piero Della Francesca nació en Umbría en 1416-1492. Su análisis de la perspectivale llevó a realizar el tratado de la Perspectiva Pingedin. Consiguió el volúmen y la calidad de los objetos con el uso de la luz. Otras obras características de Piero fueron El sueño de Constantino y La virgen, los santos y Federico de Montefeltro.

San Lázaro de Autun.

Esta imagen es de la portada de San Lázaro de Autun, una catedral de arte románico francés que se encuentra en Borgoña que fue realizada en 1130.
La iglesia fue destruida y posteriormente fue reconstruida una iglesia gótica, pero conserva su original portada románica del maestro Gislebertus.
Es una puerta de madera adintelada y abocinada. Las jambas con decoración vegetal y geométrica. Los capiteles corintios sostienen arquivoltas decoradas con medallones.
En el tímpano el tema iconográfico es el juicio final, por lo que se ve el pantócrato y en el dintel, las figuras adosadas de los condenados y los elegidos. Aparece también la imagen de Eva escondiéndose.
El dintel es sostenido por el parteluz que tiene una escultura adosada.
La escultura románica se caracterizo por tener una función docente y transmitir las verdades de la fe al pueblo analfabeto. Aunque en este caso hablamos de escultura adosada, en su mayor parte eran altos relieves. Están realizadas para ser vistas de frente y en ellas no hay proporción ya que se someten al marco arquitectónico y la importancia de transmitir el mensaje. Las manos y los ojos grandes muestran la espiritualidad de los personajes, lo cual procede de influencia bizantina; y el modelado plano no deja ver un análisis anatómico. Son figuras hieráticas, en las que no hay comunicación, ni movimiento pero si existe la jerarquización. Además se tiende al horror vacuo.
La escultura romántica estaba ligada a la arquitectura y los temas se inspiraban en manuscritos y en el mundo bizantino. Los temas de Apocalipsis o del juico final se remontaban al terror del año 1000.


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Sainte-Chapelle

Esta es la Sainte-Chapelle iniciada en 1241, de arte gótico Francés. Su finalidad era albergar la corona de espinas de Cristo que los cruzados consiguieron en la toma de Constantinopla.

Consta de dos pisos, en la parte inferior es una cripta mientras que en la superior es una iglesia de planta basilical. El muro esta calado con grandes vanos con tracería gótica y decorados con vidrieras y en la fachada por un rosetón. Sobre en crucero una cúpula poligonal sellada con una aguja. El edificio esta cubierto al exterior a doble vertiente y el empuje lateral se ve contrarestado por contrafuertes.

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San Lorenzo del Escorial

Este es el Palacio del Escorial de San Lorenzo, que se encuentra en Madrid y es de arte escurialense una etapa del arte renacentista Español.
Fue creada para el rey Felipe II y conmemora la batalla de San Quintín. El rey conoce los tratados matemático y geométricos encarga al matemático Juan Herrera la dirección de la obra iniciada por Juan Bautista de Toledo. Fue dedicada a San Lorenzo y su planta es un rectángulo dividido en seis zonas semejando la parrilla en la que fue martirizado el santo.
El espacio se organiza en torno a los patios. En el patio de los reyes se ubicaron las esculturas de los reyes del Antiguo Testamento. La fachada que lo precede esta compartimentada por columnas jónicas gigantes y adosadas que sostienen un entablamento sobre el que descansa un podium del que arrancan otras columnas de menor tamaño también de orden jónico, que sostienen un entablamento, que culmina con un frontón triangular y pirámides vignolas con bolas. En la calle central del primer piso hay una puerta adintelada, y en las laterales se alternan hornacinas y vanos adintelados; en la calle central del segundo piso se decora con un escudo y una hornacina con estatua.

Por el patio se accede a la iglesia cuyo diseño fue revisado previamente por el arquitecto italiano Paccioto y combina la planta de cruz griega con la basilical y añadio un coro. El presbiterio esta separado de la nave central por unas escaleras y el crucero esta cubierto por una cúpula sobre tambor. Las dependencias del rey conectaban directamente con la iglesia. El palacio real se encontraba tras la iglesia y bajo ella, el panteón y la biblioteca donde se albergaban los libros del rey y estaba decorada con frescos de Tibaldi.
Por el patio de los evangelistas en el que se encuentra un templete, se accedía al monasterio de los jerónimos.

El renacimiento Español surge en el s.XV convíve lo gótico y las influencias italianas renacentistas, que serán promovidas por la monarquía, la iglesia y la nobleza como la familia Mendoza. Cuando se intalan los Reyes Católicos, se intenta unificar el territorio pero las diferencias en los ámbitos regionales supusieron un intercambio cultural. Durante el s. XVI los nobles y la monarquía siguen coleccionando obras flamencas. El cardenal Cisneros reforma la iglesia, promovió la fundacion de la universidad de Alcalá de Henares y fue regente hasta que se instauro Carlos V. Con el descubrimiento de América se denunció el abuso indígena por el padre Bartolomé de las casa y el Fray Francisco de Vitoria. En la medicina la universidad de valencia realizó estudios de anatomía y en la literatura aparecieron grandes figuras como Cervantes y Gracilazo de la Vega.

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Santa María de las Flores.

Esta es la catedral de Santa María de las Flores que se encuentra en Florencia. Fue un proyecto de Brunelleschi la cabecera renacentista de una iglesia gótica toscaza. Es una obra del cuatrocentto italiano.

Fue iniciada en 1296 por Arnolfo di cambio la construcción de una iglesia gótica de tras naves de altura similar, recubierta al exterior con placas de mármol blancas y verdes. Tras ser rotamada en 1331 por el Giotto se volvó a paralizar las obras el gremio de tejedores de lana convoca un concurso para buscar al jefe de obra y salió Ghiberti que abandonó y pasó a ser proyecto de Brunelleschi quien trabajó de 1420-1426.
Realizó una doble cúpula hemisférica en el interior y en el exterior poligonal apuntada y cinchada con ocho nervios. Sobre un tambor octogonal calado por vanos circulares y se culmina con una linterna que permite la penetración de la luz, siguiendo el modelo del panteón romano.
El empuje esta contrarestado por los cuartos de esfera que cubren las capillas laterales que recuerdan a Santa Sofía de Constantinopla, hay capillas entre los contrafuertes.

Brunelleschi 1377-1446 se inició como escultor pero se le reconoció como arquitecto por la cabecera de esta catedral. Realizo además otras obras como el Hospital de los Inocentes y San Lorenzo.

El renacimiento es un movimiento artístico y de pensamiento que surgió en Italia en el s.XV y permaneció hasta finales del s.XVI. Se vuelve a los ideales del mundo grecorromano y se coloca al ser humano como centro de la creación ocupando el lugar de Dios en el medievo. El hombre emplea la razón en contra de la fe. Coopérnico demostró que la tierra giraba al rededor del sol, los avances en la navegación permitieron el descubrimiento de nuevos territorios y gutenberg inventa la imprente y permite la divulgación del conocimiento. Surge el mecenazgo ya que los nobles y la burguesía y las grandes familias como Los Medici o Los Rucellai patrocinaban las artes. En el s.XVI los mecenas serán los papas y se trasladara a roma.
El artista realizaba además tratados con los que demostró el carácter científico aplicado a las artes.

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Santa Maria Novella.

Esta es la iglesia de Santa María Novella, que se encuentra en Florencia y fue construida en 1470. La iglesia es de arte gótico toscano y la fachada renacentista fue un proyecto de Alberti.

La fachada sigue la tradición gótica toscana de alternancia de mármoles. La fachada esta concebida en tres cuadrados de las mismas dimensiones que correspondesn con las naves laterales en el primer piso y con la central que es mas alta, en el segundo. Los pisos estan separados por un podium emarcado por dos pilastras por influencia romana. En el primer piso el espasio esta compartimentado por columnas corintias adosadas en tres calles. En las dos calles laterales un cuerpo de arcos ojivales que arrancan de un podium, y en la calle central un gran puerta adintelada enmarcada por don pilastras corintias que sostienen un arco de medio punto sobre el que descansa un entablamiento, del que arranca el podium.
Sobre el otras pilastras adosadas dividen un espacio en tres calles y en la central hay un vano circular. Para equilibrar el espacio entre los dos pisos dos grandes volutas decoradas con medallones. Sellando todo, un frontón triangular sobre el entablamiento decorado con un medallón.

Alberti 1406-1472 fue conocedor de las matemáticas, la geometría y los texto de viturbio y basó la arquitectura en la proporcion y la medida. Otra de sus grandes obres fue San Andres de Mantua 1470.

Tríptico de la Anunciación.

Este es el tríptico de la Anunciación realizado por Simone Martini, un pintor Italiano del Treccento que perteneció a la Escuela de Siena. Fue pintado en el año 1328, y esta en la pared del Palazzo Público de Siena. La técnica empleada fue pintura al temple sobre tabla.

El tema icongráfico de esta obra es la Anunciación. Vemos que Simone aplica las características generales de la Escuela de Siena que consisten en la estilización de las figuras puesto que no hay preocupación por la proporción. Se observa una gama cromática irreal y subjetiva, siendo muy propios los fondos planos y dorados, por influencia bizantina. Observamos ademas de estas características, que hay un dibujo muy minucioso y detallista que domina sobre el color. En las figuras existe comunicación que incluso se lee en la leyenda del ángel. Los ropajes y objetos que se representan son de materiales nobles y caros, ya que la gente que encargaba los cuadros eran de una alta posición social. Una característica propia del autor es la verdosidad del tono de la piel, y la luz que utilizara sera conceptual. Y como característica principal de la pintura gótica se busca la composición creando espacio pictórico, aunque aun en la pintura del trecento no se ofrece con gran claridad, hay una busqueda de una tercera dimension con la disposición de las figuras que observamos por ejemplo en la posicion de la virgen sentada en escorzo, la superposición de las alas del angél o la misma superposición de planos. La obra tiene un marco gótico que semeja un templete.

Fue realizada conjuntamente con Lippo Memmi para la Catedral de Siena, aunque actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi de Florencia.

Con esta obra Martini muestra haber asimilado los descubrimientos del Giotto.

Simone Martini fue uno de los grandes pintores del Trecento en Italia. Se enmarca en la escuela sienesa, a la que pertenecieron también los grandes pintores Duccio di Buoninsegna, Lippo Memmi y los hermanos Lorenzetti. Dominio del color y el gusto por la línea y las miniaturas de la Escuela de miniaturistas de París. Otras de sus obras las cuales tambien muestran las características de la Escuela de Siena y las propias del autor son Giudoriccio da Fogliano e Historias de San Martín.

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La catedral de Burgos.

Estas son imágenes de la catedral de Burgos. Su construcción se inicia en el año 1221 y fue consagrada en 1260. Se conoce que en ella trabajo el maestro Enrique. Es de arte gótico castellano, se encuentra en la ciudad de Burgos, y es un templo católico dedicado a la Virgen María mandada a construir por Alfonso VI.

Sus muros fueron realizados con bloque de piedra rectangular. Tiene planta de cruz latina de tres navesy su transepto sólo una. En la ghirola que rodea el ábside encontramos absidiolos y en el nartex, dos torres integradas. Los muros como en toda catedral gótica se encuentran calados por vanos decorados con tracería gótica y vidrieras, y la cubierta del edificio esta formada por bóvedas de cruceria sostenidas por nervios. Algunos tramos fueron reconstruidos en el s. XVI por lo que son mas complejos. Sobre el crucero hay un cimborrio que sostiene una cúpula cubierta por un pináculo en el exterior. Todo el empuje que el sistema de cubiertas conlleva, esta contrarrestado por los contrafuertes entre los que hay arbotantes, que llevan el empuje a los estribos y todo esto sellado con la colocación de panáculos. Los edificios Franceses que influenciarón en su construcción fueron Coutances y Bourges.

En la fachada distinguimo tres arcos apuntados y abocinados que cobijan la Puerta del Perdón, el central, y las de la Asunción y la Inmaculada, los laterales. Esta portada era obra del siglo XIII pero su deterioro llevó a reconstruir las puertas laterales y la central, en estilo neoclásico, con vano adintelado y frontón triangular. En los tímpanos de las laterales se colocaron los relieves de la Concepción y la Coronación. Sobre esto, un rosetón, con tracería de estrella. Por encima del rosetón se observa una galería de agujas y varios pináculos, y formada por dos grandes ventanales con tracería gótica. Sobre las puertas laterales se alzan dos torres casi gemelas del siglo XIII y con pilastras decoradas con pináculos y estatuas, y con decorados vanos ojivales. Cubriendo las torres dos chapiteles calados. El diseño de la fachada está relacionada con el más estilo gótico francés de las catedrales de París y Reims.

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El políptico de Gante.

Esta obra es el político de Gante. Es un retablo formado por tablas pintadas al óleo por los hemanos Hubert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la Catedral de san Bavón de la ciudad de Gante. Es una pintura flamenca que fue finalizada en 1432 y se encuentra en dicha catedral, aunque Napoleón se llevo a Paris las cuatro tablas centrales, que volvieron a Gante en 1816.

En el exterior aprecen tres temas iconográficos; la anunciación, los donantes y los santos, San Pedro y San Juan. En la parte superior hay dos profetas que anunciaron la llegada deel salvador junto con la tradición grecoromana.
En el interior centro, aparece Crsito con dos coronas junto con la virgen y San Juan, los angeles cantares y los angeles músicos a los lados y a los extremos Adán y Eva y sobre ellos representado, el pecado original. En la tabla principasl aparece la imagen del cordero místico y a los lados siguiendo el paisaje los eremitas y los caballeros que acuden a rendir culto.
La técnica es óleo sobre tabla lo que permite una pintura más minuiciosa y detallistay obtener colores más brillantes, y predomina el dibujo sobre el color por lo que se observa realismo.
En el exterior en la parte inferior las Figuras de los apóstoles están echas con grisalla. En la imagen central se ve una habitación con una ventana geminada que permite la vista al horizonte, donde se respresenta fielmente la ciudad. Dentro de la abitacion aparece un tocador con los utensilios propios, los ropajes con ricos, y las baldosas llevan a una lína de horizonte alta. con todo esto se consigue la composición. La luz el conceptual.

En el la tabla central interior tambien se consuige la composición mediante el paisaje, los personajes forman un aspa en torno al tema central consiguiendo profundidas y al final hay un espacio abierto que ofrece una visión de la ciudad de Gante. en el centro se encuentral el cordero sobre un altar y los angeles que aportan los simbolos de la pasión. Colaca las figuras de espalda para conseguir el volúmen. En primer plan la fuente dee la vida vista desde un punto de vista alto.

Las referencias de los pintores flaméncos y de la pintura Italiana del Treccento, del Gioto. Pero es su aportación innovadora a la representación de la realidad y al desarrollo del espacio pictórico que marca ya la transición del gótito al renacimiento.Es un encargo de un rico burgués para la catedral de Gante. Pintó una obra de grandes dimensiones sobre 12 tablas.

Jan van Eyck fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas y, junto con Robert Campin en Tournai, fue fundador de la Ars Nova , estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el renacimiento en el norte de Europa. Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la minuiciosidad, y la composición. Lo poco que se sabe de su primera época hace que se dé gran importancia a la relación artística que mantenía con su hermano Hubert. Trabajó en la corte de Juan de Baviera y en 1425 entró al servicio de Felipe III de Brogoña. En 1431 se estableció en brujas donde estubo hasta su muerte. Su obra se caracteriza por las figuras voluminosas, la textualidad de los objetos y el simbolismo que da a los elementos de sus cuadros.


Irene Galindo Cámara 2ºB

Notre Dame

Estas son imágenes de la catedral de Notre Dame de Paris. Fue realizada entre 1163 y 1245. Es de estilo gótico, y esta dicada a María madre de Jesus. Se sitúa en la en la Isla de la Cité, la cual está rodeada por las aguas del río Sena.

Es un edificio de planta de cruz griega dividivo en cinco naves y posee un transepto, de una sola nave, que no esta desarrollado al exterior. En el nartex se encuentran dos torres integradas po lo que su fachada tiene tres portadas. Tiene un cabecero muy desarrollado que consta de un abside rodeado de doblre girola. Los muros, realizados en bloque de piedra rectangulas, se encuentran calados por venos con traceria gótica y decorados con vidrieras. Con ello conseguian la penetración de la luz que simbolizava la presencia de Dios. En su interior la separación de las naves, se realizaba con pilares con baqutones que sontenian arcos apuntados, la utilización de este arco permitia dar altura al edificio. En es segundo piso se encontraba el trifolio, que es la evolución del matroneum paleocristiano. Todo ello se cubria con bóvedas de crucería que contrarrestaban el empuje de la inmensa cúpula que cubere el crucero. El empuje lateral se contraresta con contrafuertes que llevan el empuje a los estribos y sobre los que descansan arcos arbotantes, y todo esto sellado con los pinácuplos. Cubriendo el exterior de la cúpula se observa un cimborrio que e remarca con una aguja calada.
Los edificios góticos so estilizados y altos llevando al creyente a alzar su mirada al cielo.

Su fachada consta de de tres portadas en las que hay una puerta adintelada en cada una, sostenidas por un parteluz. Todo ello se enmarca con arcos avocinados y apuntados. En el segundo piso encontramos en cada una de las torres dos vanos avocinados enmarcados por un arco apuntado y con decoración gótica. En la nave ventral se encuentra el roseton que es un gran vano de forma circular y con tracerí gótica que contribuye a la creación de un espacio religioso.
Sobre esto una franga de arcos cruzados y en la ultima altura de las torres otros dos vanos de mas altura apuntados y avocinados.

En el tímpano, dividido en tres partes, se representa la vida de Cristo. Estas reperesentaciónes al igual que en el románico tienen una función docente. En las arquivoltras hay angeles y en el parteluz una escultura adosada de Cristo. La escultura Gótica se independizo de la arquitectura pero esta totalente ligada a al iglesia. Las figuras son desproporcionadas, son demasiado esbeltas, pero en ellas se apreceia expresividad, comunicación y movimiento. se tiende a buscar volumen y en algunas se encuentra claroscuro. Ademas en el timpano hay secuencia narrativa.
Alrededor de los edificios góticos hay gárgolas que son a su vez un odo de canalizar el agua.




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San Martín de Frómista

Esta catedral es San Martín de Frómista, se encuentra en Palencia y pertenece al erte romanico castellano. Se construye en el año 1065 por orden de la reina doña Mayor de Navarra, y se vió influenciada en la catedral de Jaca.

Presenta una planta basilical, formada por tres naves de distinto tamaño separadas por columnas. La nave principal es más ancha que las dos laterales, y las tres culminan en ábsides semicirculares. La planta está combinada con la forma de cruz latina por su transepto no desarrollado al extarior, con el cimborrio octogona sobre el crucero. Tiene ademas dos torres cilíndricas a ambos lados de la fachada principal. Las tres naves se cubren en su interior con bóveda de cañón y en su esterior con una y doble vertiente. Sus muros son sólidos, con escasos ventanales coronados por arcos de medio punto. Además, bajo los aleros de las puertas y tejados se encuentran pequeños canecillos, con figuras similares a gárgolas, representando animales, seres humanos y seres mitológicos o fantásticos. Sobre la puerta principal se sitúa un crismón de seis brazos.

Irene Galindo Cámara 2ºB

Actividades

2º - El muro pierde la funcion de soporte y es sustituido por grandes vidrieras

- Con la evolucion de la boveda de arista surgen otros tipos como; la sexpartita, la de terceletes, y las estrelladas,

- Se multiplican las columnas adosadas muy finas convirtiendose en blaquetones

- Para que los estribos soporten bien el peso, se los corona con un pináculo, y se usan gárgolas como modo de desague

- Las puertas son abocinadas, pero suelen decorarse con glabete y rosetones para que pase la luz

- Los absides, girolas y capillas son poligonales

Ramon collado ramos

Actividades

1º - El arco de medio punto es sustituido por el apuntado, que permite elevar el edificio.

- Aparece la boveda de cruceria.

- Las columnas son mas finas, lo que implica la desaparicion del capitel

- Las paredes se convierten en ventanales que permiten el paso de la luz

- El peso de la boveda se pasa al exterior gracias a los arbotantes,

Ramon collado ramos

Santiago de Compostela

Esta foto es de la iglesia de peregrinación de Santiago de Compostela. Su construcion fue iniciada en 1075 y finalizada en 1130, es de arte románico Español caracteristico del camino de Santiago.
Se encuentra en la provincia de Acoruña. Fue consagrada por el obispo Gelmírez y en ellas trabajaron Roberto, Bernaardo y Esteban. Sus cimientos se encuentran sobre los restos de un edificio prerrománico construido por Alfonso II.

El material empleado fue la piedra rústica. Su planta es de cruz latina dividida en don naves laterales y estrechas y una nave central mas ancha separados por pilares con columnas adosadas, igualmente el transepto tambien se divide en tres naves. rodeando el abside encontramos la girola cuya funcion es permitir la misa llegado el final de la peregrinacion en cinco absidiolos que encontramos tambien en el transepto. A cada lado del transepto hay una portada y a los pies la portada central. La nave central es más alta y esta cubierta al exterior a doble vertiente mientras que las laterales solo a una. Sobre el crucero sobresale el cimborrio gótico con la funcion de dar altura e iluminar. sobre las naves laterales encontramos la tribuna que es la evolución del matroneum paleocristiano.
La nave central se cubre en su interior por bóveda de cañon con arcos fajones y las laterales con bóveda de arista. Para separar el espacio entre las naves hay arcos de medio punto pedaltados y doblados. Tanto la fachada como las torres son de arte barroco.

Irene Galindo Cámara 2ºB

El pórtico de la Gloria.

Esta es una de las portadas de la catedral de Santiuago de Compostela,
obra maestra del siglo XII del Maestro Mateo y uno de los más grandes monumentos del arte cristiano. Es de arte románico, y fue realizado en los años 1168 y 1188

por encargo del rey de Galicia y León Fernando II.

En este caso se trata de un conjunto de tres puertas abocinadas, lo cual es propio en todas las fachadas románicas. Las puertas laterales son inferiores en su tamaño y la gran puerta central es adintelada y el dintel, formado por el timpano , que es la cristianización del fronton griego, esta sostenido por un parteluz.

En las jambas del arco central encontramos columnas adosadas y en ellas ocho figuras que representasn a los profetas Moises, Isaias, Daniel, y Jeremías junto con los apostoles Pedro, Pablo, Santiago y Juan.
Sobre las cabezas de estos ángeles, dos nutridos grupos de almas de los bienaventurados Estas figuras contradiciendo el hireatismo románico, tienen gran expresividad y realismo.

Sobre las jambas encontramos las arquivoltas donde primeramente hay un ángel alzando en sus brazos una figurita a cada lado simbolizando el pueblo judío y el Gentil. En el interior del arco, están los veinticuatro Ancianos del Apocalipsis con instrumentos de cuerda.

En la columna del parteluz aparece el Salvador y otras figuras.

En el timpano principalmente se observa el pantócrato. Cristo en majestad mostrando en las manos y en los pies las heridas de la crucifixion, rodeado de los cuatro evangelistas San Juan y San Mateo arriba, San Lucas y San Marcos abajo escribiendo sus Evangelios sobre los animales emblemáticos. Cuatro angeles a los lados tocando los instrumentos de la pasión de Cristo. Sobre las cabezas de los angeles dos grupos con las almas de los bienaventurados.

Entre el arco central ylos laterales dos ángeles que simbolizan la ciudad de jerugalen y la de los gentiles.

Estas representaciones siguen los modelos característicos del arte románico, pero en concreto, en el portico de la gloria distinguimos rasgos de evolución hacia el gótico. Del románico, tienen una función docente, se realizaban con el fin de que el pueblo analfabeto pudiera captar a traves de ellas el mensaje de la biblia. En su mayoria son altos relieves aunque podemos encontrar esculturas adosadas. Las figuras estan echas para ser concebidas de frente y en ellas no hay proporcionalidad, las manos los pies y los ojos aumentan mostrando la espiritualidad, siguiendo el modelo bizantino, a partir de este monumento empieza a distinguirse la anatomía y un naturalismo en las figuras. Son hieráticas y entre ellas hay jerarquización, aunque los rostros empiezan a adquirir expresividad. No poseen movimiento, ni comunicación. Otra puntualidad románica es que se tiende al horror vacuo, especialmente en la decoración de los tímpanos que son la cristianización del fronton griego, pero ahora la figura empieza a independizarse del marco arquitectónicocon lo que consigue volumen. Se usa el modelado plano y no hay un análisis de la anatomía.

Algunas de las figuras del pórtico de la Gloria no son originales, ya que fueron retiradas al construir la nueva fachada de la catedral y se conservan en el museo catedralicio. Ademas el pórtico originariamente estaba policromado pero solo se conservan restos en algunos puntos.

Irene Galindo Cámara 2º B