Sant´Andrea al Quirinale.

Esta es una iglesia barroca del siglo XVII cuyo diseño de la fachada pertenece a Bernini y la cual se encuentra en Roma.
Para realizarla se inspiro en la fachada del Panteón romano. El acceso se hace a traves de una escalinata curva que esta enmarcada por dos pilastras corintias de tamaño gigantes, que parten de un podium y que sostiene un entablamento sobre el cual, descansa un fornton triangular. La fachada concebida en dos pisos, consata en el inferior de un vano adintelado coronado con un fronton triangular y enmarcado por pequñas columnas corintias que sostienen un entablamento redond o que se cubre con cuarto de esfera con casetones. Todo ello enmarcado por dos pilastras corintias que sostienen un arco de medio punto cubierto con vidriera. Para decorar coloca el escudo de la órden.

Junto con esta obra realiza otros proyectos como la columnata de San Pedro y la Capilla Corano en la que ademas muestra sus dotes como escultor con El éxtasis de Santa Teresa. Gianlorenzo Bernini nace en 1598-1680, en Italia. Su padre fue un escultor manierita y él trabajo en su taller hasta que se instala en la corte de la Familia Borgense.

Italia fue el pais donde surgió el barroco como expresión de la situación de inestablidad y se desarrollo entre los siglos XVII-XVIII. Lutero habia iniciado la reforma protestante y la reaccion de la iglesia fue convocar el concilio de Trento e iniciar la contrareforma para difundir los dogmas y el arte sera el encargado de harcelo. La situacion de crisis tanto enconomica como politica y religiosa se reflejo en la busqueda del dinamismo, que en la arquitectura se presentaba en el movimiento que producian los elementos crando entrantes y salientes y claroscuros.

Irene Galindo Camara 2B

La resucción de Cristo.

Esta obra renacentista pertenece al Greco; y actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid. La técnica empleada en ella es óleo sobre lienzo y fue
encargada para el retablo de Santa María de Aragón.
Se muestra el momento en el que Jesús resucita de entre los muertos, presentándose ante los sorprendidos soldados que habían puesto como guardia para que los discípulos no robaran el cuerpo de Jesucristo para decir luego que había resucitado.

El autor busca el espacio pictórico con la composición, Cristo como eje central del cuadro y el resto de personajes agolpados y superpuestos a su alrededor,ademas coloca en primer plano un personaje de escorzo; todo ello junto con el punto de vista bajo, invita al espectador a ascender la mirada al cielo divino. Ademas emplea la persperctiva aérea difuminando los contornos lejanos.

En esta obra pueden apreciarse las características del estilo de El Greco como las figuras estilizadas para mostrar la espiritualidad, colores frios mezclados con rojos y amarillos, que hicieron que generaciones posteriores criticaran sus cuadros, luces contrastadas que proceden de un foco exterior, sus composiciones complejas que tienden a cierto horror vacuo,un movimiento influido por la línea serpentinata manierista y por una pincelada cada vez más suelta que se comienza a acercar a lo que será el impresionismo.

Entre otras de sus obras se distinguen El martirio de San Mauricio, El expolio de Cristo o El entierro del conde Orgaz. El Greco nace en 1541 en la isla de Creta, viajó a Romay a Venecia donde unos amigos españoles le comentaron el proyecto de decorar el Escorialy vino a Espeña, pero su actitud inovadora desagrado a felipe II y esto le levó a instalarse en toledo donde formaria su propio taller.

Los temas que se representaron durante el renacimiento español fueron religiosos ya que tuvo lugar el concilio de Trento para crear devoción de los sentimientos religiosos. La intura renacentista española recibió dos influencias: la Flamenca en la zona de Castilla que sufrirá un cambio durante el reinado de Carlos V con la llegada de artístas manieristas; y una influencia italiana en la zona de Levante.
En el segundo tercio del s. XVI la pintura española incrementará a consecuencia de grandes mecenas como Felipe II.

Galindo Cámara Irene 2ºB

La virgen de cuello largo.

Pramigianino es el autor de este cuadro denominado La virgen de cuello largo, que fue fintado en 1535 y que pertenece a la pintura manierista del renacimiento italiano.
Para componer la obra coloca en el centro a la virgen con el niño en sus brazos, en uno de los lados aparecen angeles expectantes y equilibra la obra con la colocando en el otro lado una columna y un personaje alejado, tras el cual se observa un paisaje diáfano.
Las características que responden a la pintura manieristas quedan patentes en la desproporcionalidad de los cuerpos de manera alargada e irreal y el movimiento lo marca con la línea serpentinata produciendo cierta sensación de inestabilidad.
Los colores son intensos y existe un equilibrio entre color y dibujo que es minucioso y detallista. Ademas muestra comunicación y expresividad en los personajes.

La pintura manierista surge a mediados del s. XVI en una situacion de malestrar provinente de la decadencia económica y política ya que se acaba de producir el saqueo de Roma, por ello los artístas como Parmigianino tienen la necesidad de evasión del mundo.

El lavatorio de pies.

El lavatorio de pies es un cuadro pintado por tintoreto en 1547 siguendo las pautas de la pintura veneciana que se da en el renacimiento. Fue creado para ubicarlo en la iglesia de Marcuela pero actualmente se encuentra en el museo del Prado de Madrid.
El tema iconográfico de la obra es Cristo lavando los pies a sus discípulos lo cual se produce durante la Santa cena y con ello símbolza que Cristo se reconoce como uno más de ellos.
Como todo autor del renacimiento Tintoretto se preocupó de representar el espacio pictórico por lo que la imágen esta concebida en un marco arquitectónico que se adentra dejandonos ver los canales venecianos. Compone la obra colocando en primer término a la derecha un personaje atandose los zapatos y a la izquierda el tema principal Cristo lavandole los pies a un discípulo. En medio de la escena coloca una mesa en escorzo en torno a la cual agrupa unos personajes y distribuye otros tantos en el espacio. Ademas consigue la profundidad con la perspectiva lineal que muestra en las baldosas y en los elementos arquitectónicos propiamente renacentistas. Ademas es una obra que carga con composiciones diagonales consiguiendo dar esa sensación de profundidad con el uso entre otros de manchas de color. Estos colores que predominan sobre el dibujo aunque este es minucioso, están equilibrados y la luz es una luz natural.
Carga la escena de movimiento y comunicación.
Tintoretto fue alumno de Tizziano y sus características amrcaron la aproximación barroca.

Dafne recibiendo la lluvia de oro.

Este cuadro cuyo autor fue ticiano es una obra del renacimiento enmarcada en la pintura veneciana, que fue creada en 1554, empleando el óleo sobre lienzo y actualmente se localiza en el Museo del Padro de Madird.
Responde a un tema mitológico, en el que aprace Dafne desnuda sobre una cama recibiendo a Zeus convertido en lluvia de oro.
Consigue representar el espacio con la composición, colocando en primer término la cama sobre la que se encuentra la jóven que el espectador observa desde un punto de vista alto, tras ella la ancian doncella colocada de espaldas, y el última instancia el paisaje de tormenta.
La luz dirigida tiene un tono dorado y con ella consigue la calidad de los objetos, los cuerpos son voluminos y de tonos nacarados mostrando sensualidad en los cuerpos jóvenes femeninos, lo cual es una característica propia de la escuela veneciana. Predomina el color sobre el dibujo con una pincelada que va soltandose progresivamente.
En la escena se muestra la psicología de los personajes, mostrnado incluso en la jóven cierta sensación de agovio, muestra la expresividad y el movimiento.

Tizziano fue discípulo de giorgione y se caracterizó por un colorido potente y por sus formas blandas y redondeadas. Entre sus obras se pueden apreciar Carlos V en Mühberg o Isabel de Portugal.

El sueño de Caballero- Las tres Gracias.

Estas dos obras de Rafael iban a formar pareja. Fuerno creadas en el cinquecentto en pleno renacimiento italiano, mediante la técnica de óleo sobre tabla rafael nos muestra dos temas mitológicos. Actualmente se encuentran separadas en la National Gallery de Inglaterra y en el museo Condé de Francia.

El sueño de caballero es una alegoría de Espición, en el aparece una composición muy simetrica con tres lineas verticales, dos en los personajes y dividiendo el cuadro un árbol; equilibradas con las formas curvas del personaje que se haya en el suelo y del camino que se adrenta en el paisaje, de esta manera consigue Rafael el tan ansiado espacio pictórico, pero ademas usa la pespectiva aérea de manera que el la lejania emplea tonos azulados difuminando el contorno.

La anatomía de sus personajes es voluminosa y las ventimentas son sobrias, utilizando para ello colores vivos en los que existe un equilibrio, sobre todo en azules y rojos. La luz que ilumina esta obra es una luz dirigida que procede de un foco exterior.
Se puede observar como exite entre los personajes una comunicación psicológica entre las doncellas que aguardan al caballero.

Las tres Gracias, nos las representa como tres jóvenes desnudas que danzan en círculo, en un paisaje diáfano que se concibe como bandas ocres. Estan tratadas con delicadeza y suavidad y las peina con el peinado que caraterizó las virgenes de rafael. El movimiento de los cuerpos responde a la curva praxitélica y entre ellas existe una comunicación tanto física como psicológica.

Rafael poseyó un estilo muy personal como síntesis de todo lo que conoció de sus viajes y de la formación junto a grandes autores del quatrocentto como Perugino. Entre otras de sus obras no menos importantes podemos nombrar, Los desposorios de la Virgen obra que recibe la influencia de La entrega de las llaves de su maestro, el retrato de Julio I, o los frescos de la Sala Signatura del Vaticano.

La última cena.

Esta obra de Leonardo Da vinci es un fresco que se se encuentra en la iglesia Santa Maria delle Grazie, que se encuentra en Milan. Es una obra del cinquecentto italiano por tanto de arte renacentista que fue finalizada en 1475.

El tema iconográfico representa la última cena que Cristo mantiene con sus apóstoles en la cual les da de comer su cuerpo en forma de pan y su sangre en forma de vino.
Como todo pintor del renacimiento le preocupa conseguir el espacio pictórico lo cual logra con la composición, colocando en primer plano y en friso a los personajes tras una mesa que abarca el largo del cuadro y que ademas coloca en escorzo; se ayuda ademas de la superposición de los personajes y del punto de vista lineal que se observa en elementos arquitectínicos como las ventanas o los casetones del techo. Al fondo tres ventas dejan el paisaje abierto en el que queda patente la perpectiva érea de da vinci, aumentando ese espacio pictórico.
Predomina el color sobre el dibujo, existiendo un equilibrio en los mismos y usa una luz artificial para marcar las zonas que quiere remarcar.
Los retratos de Cristo y los discípulos muestran la psicología de los personajes y con la colocación de las manos extendidas muestra la espiritualidad lo cual llevan cultivando los artistas desde el mundo bizantino. Es una escena cargada de comunicación, de expresividad y movimiento.

Da vinci fue un artísta italiano que aprendió en el taller de Verriocho, ralizó algunos proyectos urbanísticos y fue un gran observador de la naturalieza. Destacó en la pintura en la cual introdujo la perspectiva aérea y el sfumato. Algunas de sus obras igualmente conocidas son La anunciación y La Gioconda.